Мастера отечественной художественной фотографии начала 20 века. История развития фотографии

«В России каждая новая художественная волна в фотографии не наслаивается на предыдущую, а смывает её за борт»

Михаил Сидлин

Так уж получается, что человеку, задумавшему познакомиться с успехами отечественной художественной фотографии начала ХХ века, не составит большого труда узнать имена фотохудожников старой русской школы - Юрия Ерёмина, Николая Андреева, Петра Клепикова, Николая Петрова и других. Без особых проблем он узнает, например, что ещё в дореволюционный период Николай Петров стал победителем международных фотовыставок в Дрездене, Гамбурге, Лондоне и "Энциклопедический словарь" братьев Гранат и К° назвал его родоначальником худо­жественной фотографии в России. Или, что Юрий Ерёмин в 20-30-х годах также становился призёром международных фотовыставок за рубежом.

Но даже пытливый поклонник фотографии столкнётся с неразрешимыми проблемами, если пожелает узнать, с какими же результатами завершило минувший век наше фотоискусство, так великолепно его начавшее. Сведений на этот счёт чрезвычайно мало. К тому же они отрывочны и не позволяют стороннему наблюдателю составить сколько-нибудь целостное представление о роли и месте отечественной художественной фотографии в мировом фотоискусстве.

Неудивительно, что отсутствие достаточной информации формирует в массовом сознании мнение, будто успехи нашего фотоискусства так и закончились в тех далёких 30-х годах. В немалой степени этому способствовали и заявления некоторых авторитетных функционеров от фотографии, имевшие место на страницах фотожурналов на исходе столетия и позднее, о том, что отечественное фотоискусство якобы не сыграло никакой роли в мировой фотогра­фии минувшего века и никому не известно за рубежом

Так Дмитрий Киян, в то время главный редактор журнала « Foto & Video », говоря об итогах века, заявил: «К концу двадцатого столетия необходимость определять приоритеты очевидна. И если наша современная фотография до сих пор и остаётся практически неизвестной в контексте фотографии мировой, то это только по какому-то странному недоразумению» . (Foto & Video №7 за 2000г., стр.18).
Того же мнения придерживается и Ольга Свиблова, директор Московского Дома фотографии, полагающая, что «в советское время фотографы не имели возможности участвовать в зарубежных выставках и конкурсах» («Фотомагазин» №1-2 за 2002г., стр.96).

А несколько ранее, в 1998г., рассказывая о цели своего очередного проекта, она же заявила: «Я надеюсь, что этот опыт поможет России снова стать полноправной участницей международного фотографического контекста, какой она являлась до 30-х годов, пока её насильно оттуда не исключили» . («Фотомагазин» №5 за 1998г. стр.58).

Полностью солидарен с ними и журнал «Потребитель»: «Советский Союз был оторван от мировой фотографической жизни. Только в одной области – журналистике – он с нею соприкасался: через World Press Photo .… Но вся огромная зона современного искусства фотографии была совершенно закрыта от глаз». («Потребитель» Фото и Техника №9 за 2010г.)

Однако, при всём уважении к процитированным авторам, должен заметить, что их высказывания не соответствуют действительности. Мне хорошо известно, что отечественная художественная фотография ещё с середины 60-х годов минувшего века не только находилась в этом самом контексте мирового фотоискусства, но и являлась его важной составляющей. Знаю об этом не понаслышке, поскольку сам был непосредственным участником этого процесса на протяжении нескольких десятилетий. В моём активе сотни международных выставок фотоискусства по всей планете. А также награды всех видов и достоинств, полученные в творческом споре с ведущими мастерами мировой художественной фотографии. Большая часть пришлась как раз на период СССР. И порой мои награды из дальних стран привозили мне советские дипломаты, за что я им до сих пор благодарен.

Предлагаю желающим совершить некоторый экскурс в не такую уж и далёкую, на мой взгляд, историю отечественного фотографического искусства. Давайте с фактами и цифрами в руках определим, правы ли фотографические проповедники, утверждавшие, будто отечественное фотоискусство советского периода так и осталось никому неизвестным в мире. Конечно, рассказать обо всех успехах нашей художественной фотографии в одной статье немыслимо, поскольку объём информации, имеющийся в моём распоряжении, значителен. Остановлюсь лишь на ряде фрагментов, которых будет вполне достаточно, чтобы однозначно ответить на поставленный вопрос. Эти сведения вы нигде больше не найдёте, даже если перелистаете все на свете фотожурналы или перелопатите весь Интернет.

Хочу подчеркнуть, что речь в данной публикации идёт исключительно о выставках высшей категории, проводимых под эгидой Международной федерации фотографического искусства (FIAP) - всемирной организации в составе ЮНЕСКО, где демонстрируется всё лучшее, что создаётся в фотоискусстве в глобальном масштабе. Только такие выставки делают серьёзные "зарубки" в творческой биографии фотохудожника. И пока фотохудожник весомо не заявит о себе на этих выставках, в мировом фотографическом сообществе он никто и звать его никак, при любых успехах в своей стране.

Для начала отправимся на Пиренеи. Испания – страна глубоких фотографических традиций. Здесь фотография как искусство вост­ребована обществом, имеет широкую сферу функционирования и играет важную роль в национальной культуре. Поэтому не случайно Испания входит в число стран, где на протяжении многих десятков лет проводятся престижнейшие международные смотры фотографичес­кого искусства, получившие признание во всем мире.

Мало кому известно, что советские фотомастера ещё до падения фашистского режима генерала Франко и задолго до установления дипломатических отношений между нашими странами, с конца 60-х годов минувшего века, уже участвовали в фотовыставках в Испании.

К числу широко известных выставок, проходящих в этой стране, относятся Биеннале "ЕВРОПА" и Биеннале "ФОТОСПОРТ" в г. Реусе, чередующиеся между собой. Давайте посмот­рим, как соотносились творческие успехи фотохудожников разных стран на VIII Биеннале "ФОТОСПОРТ-84" – важнейшей в мире фотовыс­тавке художественной фотографии на тему спорта и потому именно здесь в качестве Гран-при разыгрывался Трофей Международного олимпийского комитета, предоставленный Хуаном Антонио Самаранчем, в то время президентом МОК.

Это каталог выставки, а ниже копия её статистической таблицы.

DADES ESTADISTIQUES

Из этой таблицы видно, что в выставке участвовали представители 38 стран, и одна из них доминировала с большим отрывом от осталь­ных – наша страна.

Читаем горизонтальную строку чисел слева от названия нашей страны: 330 авторов представили на рассмотрение жюри 815 черно-белых работ и 28 цветных, что в сумме составляет 843 работы. Ни одна страна не имеет даже близкого результата. Следующей за нами идет Чехословакия: 99 авторов с 361 работой.

Но это количество "на входе", т.е. до отбора жюри, а как обстоит дело "на выходе", что попало в экспозицию? Смотрим ту же строку, но справа от названия нашей страны: на выставку отобраны 56 наших авторов с 63 черно-белыми и 8 цветными работами. Таким образом, из 164 авторов, чье творчество составило экспозицию данной выс­тавки – 56 наших, а из 229 работ, представленных на ней – 71 наша. Великолепный результат! Все страны оставлены позади. Второй ре­зультат у ФРГ: 21 автор с 28 работами. Третий – у Чехословакии: 16 авторов с 26 работами.

Примечание:

Следует иметь в виду, что если жюри из 3052 работ, представленных на выставку, отобрало в экспозицию 229 работ, то это вовсе не означает, что остальные являлись какой-то творческой или технической некондицией. Количество работ на выставке определяется организаторами заранее, исходя из имеющейся демонстрационной площади и общей концепции выставки. В соответствии с этой концеп­цией художники-дизайнеры разрабатывают макет выставки, который определяет конкретное число работ в экспозиции с возможностью лишь незначительного изменения в ту или иную сторону. Поэтому, поступи на выставку тысяча работ или десять тысяч, все равно в экспозиции оказались бы те же 229 работ.

А вот наградной список выставки, так жюри распределило награды.

RELACIÓ DE PREMIS

BLANC I IMEGRE

Превосходство нашей страны совершенно очевидно: золотая медаль, две серебряных, шесть бронзовых! В их числе серебряная и бронзовая медали даже в разделе цветной фотографии, где по объективным причинам в те времена нам было трудно тягаться с зарубежными мастерами.

Но перевернем лист каталога и посмотрим еще один список – особых наград международных организаций.

PREMIS F.I.A.P.

Мы видим, что и Гран-при присужден нашему автору Виктору Кононову, а "Почетной ленты FIАР" удостоены еще три наших автора. Абсолютная победа отечественного фотоискусства, тут и комментировать больше нечего! Добавлю только, что спустя два года на IX Биеннале " ФОТОСПОРТ-86" в Реусе наши фотомастера повторили успех этой выставки, вновь завоевав и Гран-при, и целое созвездие медалей.

А это каталог другой солидной выставки «АКВЕДУКТ -90» в Испании, состоявшейся в 1990 г.. Ниже статистика этой выставки.

DADES ESTADISTIQUES

И здесь мы видим (пользуясь примененным выше принципом), что из 135 авторов, прошедших горнило отбора, 27 наших фотохудож­ников – опять же больше всех. Из 213 произведений в экспозиции наших – 41 (больше только у Испании – 56).

А вот наградной лист выставки, свидетельствующий вновь об абсолютном успехе наших фотомастеров. Восемь призёров – наши соотечественники. Причём «Золотой Акведукт» (Гран-при) у Александра Супруна, «Серебряный Акведукт» - у Павла Кунина. Золотая, серебряная и бронзовая медали FIAP также у наших авторов. И это ещё не всё, смотрите сами.

Premis als millors autors

Но не только в Испании творчество наших фотохудожников получило заслуженное признание и высокую оценку.

Это каталог 70-го Шотландского салона фотографии 1987 года в г. Дамфрис (50 стран-участниц). В его экспозиции 22 наших автора демонстрировали 31 произведение (уступая только Англии). В результате высшая награда – золотая медаль FIАР – присуждена Юрию Варигину.

Это каталог 71-го Шотландского салона фотографии 1988 года в г. Глазго (52 страны-участницы). Теперь в его экспозиции уже 51 наш автор с 88 произведениями – наибольшее количество из всех стран. В результате высшая награда – золотая медаль FIАР – присуждена Станиславу Яворскому.

Это каталог знаменитого салона фотоискусства в Буэнос-Айресе 1990г (32 страны-участницы). В экспозиции 23 наших автора с 41 произведением – наибольшее количество из всех стран. В результате "Золотая Пирамида" (Гран-при) присуждена Александру Супруну, а Валерию Горетскому и Зиновию Шегельману – серебряные медали.

Это каталог 45-го Международного Салона фотографии 1990г. в Гонконге (44 страны-участницы). В экспозицию салона смогли пройти лишь два советских фотохудожника, что не идёт ни в какое сравнение с перечисленными выше выставками.

Но и вдвоём они смогли сделать Советский Союз победителем этого смотра фотоискусства, завоевав четыре награды!

Высшей награды салона – Трофея наместника английской короны, губернатора сэра Дэвида Вильсона (Гран-при), удостоено портфолио Виталия Тененёва. Кроме того, одна из его работ дополнительно награждена ещё и бронзовой медалью. Мало того, другая его работа стала эмблемой выставки. Даже сертификат, полагающийся каждому мастеру в подтверждение его участия в экспозиции салона, разосланный организаторами авторам в 44 страны, представлял собой копию этой работы с соответствующим текстом. Такое случается чрезвычайно редко, поэтому буквально по пальцам мо­жно пересчитать фотомастеров, удостоенных такой чести.

А Алексей Попов был награждён золотой медалью салона и золотой медалью Фотографического Общества Америки (PSA ). Таким образом, из четырёх главных наград выставки три – у наших мастеров. И только одна - золотая медаль FIAP , осталась для всех остальных участников экспозиции. Ну, куда уже желать большего?!

Однако в заключение давайте вновь вернемся в Испанию по очень важному поводу. В 1989 году здесь состоялась, вероятно, самая представительная в мире выставка, посвященная 150-летию фотографии – IX Биеннале Международной фотографии "ЕВРОПА-89". Её особенностью являлось то, что она относилась к категории primphoto, т.е. в ней могли участвовать только работы уже награжденные на других международных выставках где-либо в мире на про­тяжении десятилетия с 1979 по 1988 гг.. Причем, это вовсе не озна­чало, что присланные работы попадут прямо в экспозицию. Это давало лишь право стать в общую очередь на рассмотрение жюри. Сложнейшие условия! И не случайно председателем жюри был вице-президент FIАР.

Это каталог выставки – увесистый и великолепно изданный фолиант! Кстати, именно работа советского автора, Евгения Павлова, помещена на его обложке.

Посмотрите внимательно на статистическую таблицу этой выставки. Она убедительно свидетельствует об абсолютном превосходстве наших фотохудожников!

PAPES ESTADISTIQUES

А ниже приведенная копия наградного листа выставки говорит о феноменальной победе наших мастеров над всем остальным миром. Еще бы, десять наград из восемнадцати - наши! Да ещё и особая медаль Фотографической федерации Каталонии Советскому Союзу за наибольшее количество представленных работ.

IX BIENNAL «EUROPA 89».

Tema: FOTOGRAFÍES MONOCROMES PREMIADES EN SALONS INTERNACIONALES 1979/1988

Premis ais millors autors

Distincio a paisos amb major participacio

MEDALLA FEDERACIO CATALANA DE FOTOGRAFIA

URSS 304 Obres
TXECOSLOVÁQULA 121 Obres
AUSTRIA 61 Obres

А теперь давайте сделаем очень важный итоговый анализ на основе статистики этой выставки. От нашей страны на выставку поступило 304 работы 114 авторов (смотрите статистическую таблицу). Поскольку каждая из этих работ была до этого уже награждена где-то в мире, то это означает, что только за период с 1979 по 1988 гг. наши фотохудожники завоевали во всех концах света как минимум 304 награды – огромное количество! И факт этот документально подт­вержден каталогом этой выставки. Это несравнимо больше наград полученных нашими соотечественниками на международных выставках не только в 30-е годы, но и все другие вместе взятые со времени изобретения фотографии.

Однако истинное количество наград намного больше. Во-первых, по разным причинам не все наши призёры приcлали свои работы на эту выставку. Во-вторых, из 304 работ не все имеют только одну награду. За десять лет одна и та же работа могла быть награждена и два, и три, и пять раз. Поэтому число 304 нужно умножить, по крайней мере, в два, а то и в три раза, чтобы получить близкое к реальному количество наград, полученных в эти годы. Выходит где-то от 600 до 900 медалей всего за десять лет. В среднем по одной, а то и по две медали каждую неделю на протяжении десяти лет. Это же колоссальное количество! А ведь были еще и успешные 70-е годы. Да это же действительно "золотой век" нашего фотоискусства!

Но многие ли заметили его? Отнюдь! Пока весь мир рукоплескал нашему фотоискусству и ставил его на высшие ступени пьедестала почёта, в родном отечестве изо всех сил старались не замечать его успехи. Этот “золотой век” не коснулся страниц журнала "Советское фото", занятого вознесением до небес “шедевров” типа "Парторг спустился в забой" или "Планерка в бригаде". Он никак не отразился в книге известного историка отечественной фотографии Сергея Морозова "Творческая фотография", хотя писалась она автором как раз в эти годы. О нём нигде нельзя было прочитать тогда, как, впрочем, нельзя прочитать и сегодня. Я не помню случая, когда бы телевидение или радио рассказало что-нибудь об успехах отечественного фотоискусства. Вот уж воистину сказано: умом Россию не понять!

Полагаю, приведённых примеров достаточно для понимания того, что в фотоискусстве наши мастера не лаптем щи хлебали, как кому-то кажется до сих пор. Да, в их руках были камеры «каменного века» и сообщения о достижениях мировой фотоиндустрии, которыми вовсю пользовались их зарубежные коллеги, они вынуждены были воспринимать как фантастику, не имеющую к ним никакого отношения. Но и при таком раскладе у них не было проблемы с признанием за рубежом. У них была серьёзная проблема с признанием в своей стране. Эта проблема не разрешилась и в постсоветское десятилетие минувшего века в отношении уже фотоискусства российского. И разрешится ли она в веке нынешнем – ещё очень большой вопрос.

Неудивительно, что и сейчас, когда кто-нибудь берется писать о советской фотографии 70-х – 80-х годов ХХ века, то по устоявшемуся стереотипу начинает перебирать все ту же колоду имен фотокорреспондентов ТАСС, АПН, "Огонька" и т.д. Даже не утруждая себя пояснением или не отдавая себе отчета в том, что эти люди определяли лишь состояние фотожурналистики, а не фотографии вообще, что существовала и успешно развивалась, вопреки всему, и фотография художественная, со своими именами и достижениями .

Может показаться странным, что государство, осуществляя непрерывные многомиллионные вливания средств в успехи спорта, ради пресловутого престижа в глазах других стран, совершенно не обращает внимания на, вполне соизмеримые со спортивными, успехи своих соотечественников в фотоискусстве. Казалось бы, о них следовало трубить везде, где только возможно. Ведь это является ещё одной составляющей того самого престижа, да к тому же не стоившей государству вообще ни одной копейки.

Но это только государство получает взамен потраченных реальных миллионов эфемерные голы, очки, секунды, не имеющие никакой связи с состоянием здоровья населения. А вот легионы чиновников от спорта умело «распиливая» бюджетные деньги, получают вполне осязаемые материальные блага. И они лично заинтересованы в том, чтобы все средства массовой информации круглосуточно рассказывали о спорте, будто это самое главное в жизни каждого человека. Если бы наше фотоискусство тоже финансировалось из бюджета, то и у него было бы не меньше глашатаев и трубадуров. А пиарить чужие успехи «за просто так», пусть и ради престижа страны, как видим, желающих нет.

Наконец, следует сказать и еще об одном аспекте. Например, музыкант-исполнитель или вокалист могут получить на родине государственную награду за свои успехи на конкурсах за рубежом. Таких случаев сколько угодно. Но еще не было прецедента, чтобы за международные успехи такую награду получил фотохудожник.

Даже самый обычный рабочий, бухгалтер или кладовщик, отработав на каком-нибудь предприятии несколько десятков лет не хватая звезд с неба, имеет шанс получить медаль "Ветеран труда". Пусть это самая незначительная государственная награда, но и она дает человеку определенные моральные и материальные преимущества. Ее обладатель получит более высокую пенсию, ему компенсируют часть коммунальных расходов, он будет бесплатно ездить в общественном транспорте и т.д. Таким образом государство наглядно демонстрирует, что этот человек имеет некие заслуги и общество должно признавать их и быть обязанным ему за них.

Но я знаю в России людей, которые получили столько международных наград в фотоискусстве, что каждому из них не хватит большого стола, чтобы все их разложить. Однако это не дает им никаких привилегий, потому что по российским понятиям они не сделали ничего полезного для страны и общества.

Советские мастера художественной фотографии добились блестящих успехов на международных выставках самого высокого ранга, снискав известность и уважение во всем мире. Невозможно назвать другой вид человеческой деятельности, в котором кому-либо удалось добиться подобных результатов исключительно за счет своих сил и средств без материальной, организационной и моральной поддержки государства и общества.

Именно благодаря их творческим усилиям отечественное фотоискусство завершило минувший век и вступило в век нынешний в числе лидеров мирового фотографического процесса. Другое дело, что мало кто в нашей стране знает об этом. Но это не их вина. Своё дело они сделали на «отлично»! Многих мастеров, из упомянутых в этой публикации и оставшихся за её рамками, уже нет в живых. Но это не повод забыть о них и смыть за борт, как сказано в эпиграфе, взятом мною для этой статьи за точную формулировку российской реальности.

Стремление запечатлеть моменты жизни, происходящие с человеком или окружающим его миром, существовало всегда. Об этом говорят и наскальные рисунки, и изобразительное искусство. В полотнах художников особо ценилась точность и детализация, способность запечатлеть объект в выгодном ракурсе, свете, передать цветовую палитру, тени. На такую работу порой уходили месяцы работы. Именно это желание, а также стремление сократить временные затраты и стали толчком для создания такого вида искусства, как фотография.

Появление фотографии

В IV веке до нашей эры Аристотель, знаменитый ученый из Древней Греции, заметил любопытный факт: свет, который просачивался через небольшую дырочку в ставне окна, повторял тенями на стене виднеющийся за окном пейзаж.

Далее в трактатах ученых из арабских стран начинает упоминаться словосочетание буквально означающее «темная комната». Это оказалось приспособление в виде ящика с отверстием спереди, при помощи которого стало возможным срисовывать натюрморты и пейзажи. Позже ящик усовершенствовали, снабдив двигающимися половинками и линзой, что сделало возможным фокусацию на картинке.

Благодаря новым возможностям, картинки стали намного ярче, а прибор получил название «светлой комнаты», то есть camera lucina. Такие нехитрые технологии позволили нам узнать, как выглядел Архангельск в середине XVII столетия. С их помощью была снята перспектива города, отличающаяся точностью.

Этапы развития фотографии

В XIX веке Жозефом Ньепсом был придуман способ фотографирования, названный им гелиогравюрой. Съемка данным методом происходила при ярком солнце и продолжалась до 8 часов. Суть его заключалась в следующем:

Бралась металлическая пластина, которую покрывали битумным лаком.

Пластина находилась под непосредственным воздействием яркого света, из-за которого лак не растворялся. Но процесс этот был неоднородным и зависел от силы освещения на каждом из участков.

После травили кислотой.

В результате всех манипуляций возникала рельефная, гравированная картина на пластине. Следующим значимым этапом в развитии фотографии стал дагерротип. Название свое способ получил от имени своего изобретателя, Луи Жака Манде Дагера, который смог получить изображение на серебряной пластине, обработанной йодными парами.

Следующим методом была калотипия, придуманная Генри Талботом. Достоинством способа была возможность делать копии одного изображения, которое, в свою очередь, воспроизводилось на бумаге, пропитанной солью серебра.

Первое знакомство с искусством фотографии в России

История русской фотографии продолжается уже более, чем полтора века. И история эта полна разных событий и интересных фактов. Благодаря людям, открывшим для нашей страны искусство фотографии, мы можем видеть Россию сквозь призму времени такой, какой она была много лет назад.

История фотографии в России начинается с 1839 года. Именно тогда член Академии Наук России И. Гамель поехал в Великобританию, где и познакомился с методом калотипии, подробно его изучив. После чего выслал подробное описание. Так и были получены первые фотографии, сделанные способом калотипии, которые до сих пор хранятся в Академии Наук в количестве 12 штук. На снимках имеется подпись изобретателя метода, Талбота.

После этого во Франции происходит знакомство Гамеля с Дагером, под руководством которого он собственноручно делает несколько снимков. Академией Наук в сентябре 1841 года было получено письмо от Гамеля, в котором, согласно его слов, находилась первая выполненная с натуры фотография. На сделанном в Париже фотоснимке - женская фигура.

После этого фотоискусство в России начало набирать обороты, стремительно развиваясь. Между XIX и XX столетиями фотографы из России начали на общих правах принимать участие в фотовыставках и салонах международного класса, на которых получали престижные награды и премии, имели членство в соответствующих сообществах.

Способ Талбота

История фотографии в России получила развитие благодаря людям, живо интересовавшимся новым видом искусства. Таким был и Юлий Федорович Фрицше, известный русский ботаник и химик. Он первым освоил метод Талбота, заключавшийся в получении негатива на светочувствительной бумаге с последующей его печатью на листе, обработанном солями серебра и проявляющемся при солнечном свете.

Фрицше сделал первые фотографии-калотипы листьев растений, после чего вступил перед Акадамией Наук в Санкт-Петербурге в мае 1839 года с докладом. В нем он сообщил, что находит метод калотипии подходящим для запечатления плоских предметов. Например, способ пригоден для выполнения снимков оригинальных растений с необходимой для ботаника точностью.

Вклад Ю. Фрицше

Благодаря Фрицше история фотографии в России шагнула чуть дальше: он предложил заменить гипосульфат натрия, которым пользовался для проявления картинки Талбот, на аммиак, чем заметно модернизировал калотипию, улучшив качество изображения. Юлий Федорович также был первым в стране и одним из первых в мире, кто провел исследовательскую работу по фотографии и фотоискусству.

Алексей Греков и «художественная кабина»

История фотосъемки в России продолжалась, и следующим свой вклад в ее развитие внес Алексей Греков. Московский изобретатель и гравер, он первым из русских мастеров фотографии овладел и калотипией, и дагерротипией. И если вы зададите вопрос о том, какими были первые фотоаппараты в России, то именно изобретение Грекова, «художественную комнату», можно считать таковым.

Первый фотоаппарат, созданный им в 1840 году, позволял сделать качественные, с хорошей резкостью портретные фотоснимки, что не удавалось многим пытавшимся этого добиться фотографам. Греков придумал кресло со специальными удобными подушечками, которые поддерживали голову фотографируемого, позволяя ему не устать за время долгого сидения и сохранять неподвижное положение. А быть неподвижным человеку в кресле приходилось долго: 23 минуты на ярком солнце, а в пасмурный день - все 45.

Мастера фотографии Грекова принято считать первым в России фотохудожником-портретистом. Добиться прекрасных портретных фотоснимков ему помогало и изобретенное им фотоустройство, состоящее из деревянной камеры, в которую не проникал свет. Но при этом коробки могли выдвигаться одна из другой и возвращаться на место. У внешней коробки на передней ее части он прикрепил линзу, представлявшую собой объектив. Во внутренней коробке находилась пластина, чувствительная к свету. Меняя расстояние между коробками, то есть двигая их одну из другой или наоборот, можно было добиться необходимой резкости снимка.

Вклад Сергея Левицкого

Следующим человеком, благодаря которому история фотографии в России стремительно продолжала развиваться, был Сергей Левицкий. В истории русской фотосъемки появились дагерроптипы Пятигорска и Кисловодска, сделанные им на Кавказе. А также золотая медаль художественной выставки, прошедшей в Париже, куда он и отправил снимки для участия в конкурсе.

Сергей Левицкий был в первых рядах фотографов, которые предложили менять декоративный фон для съемок. Им также было решено выполнять ретушь портретных фотографий и их негативов, чтобы уменьшить или вовсе удалить технические недостатки, если таковые имелись.

Левицкий уезжает в Италию в 1845 году, решая повысить уровень знаний и умений в области дагерротипии. Он делает снимки Рима, а также портретные фото русских художников, проживавших там. А в 1847 году придумывает фотографический аппарат со складным мехом, применив для этого мех от гармони. Новшество позволило фотоаппарату стать более мобильным, что в значительной степени отразилось на расширении возможностей фотосъемок.

Вернулся в Россию Сергей Левицкий уже профессиональным фотографом, открыв в Петербурге собственную дагерротипную мастерскую «Светопись». При ней он также открывает фотоателье с богатой коллекцией фотопортретов русских художников, писателей и общественных деятелей. Изучение искусства фотографии он не бросает, продолжая опытным путем изучать применение электрического света и его сочетания с солнечным и их влияние на снимки.

Русский след в фотоискусстве

Деятели искусств, мастера фотографии, изобретатели и ученые из России внесли большой вклад в историю и развитие фотоискусства. Так, среди создателей новых видов фотоаппаратов известны такие русские фамилии, как Срезневский, Езучевский, Карпов, Курдюмов.

Даже Дмитрий Иванович Менделеев принимал активное участие, занимаясь теоретическими и практическими проблемами изготовления фотоснимков. А совместно со Срезневским они стояли у истоков создания фотографического отдела в Русском техническом обществе.

Широко известны успехи яркого мастера русской фотографии, которого можно поставить на одну ступень с Левицким, Андрея Деньера. Он был создателем первого фотоальбома с портретами известных ученых, врачей, путешественников, писателей, артистов. А фотохудожник А. Карелин стал известен всей Европе и вошел в истории фотографии как основоположник жанра бытовой съемки.

Развитие фотоискусства в России

Интерес к фотографии в конце XIX века возрос не только среди специалистов, но и среди простого населения. И в 1887 годы был выпущен «Фотографический вестник», журнал, в котором была собрана информация по рецептам, химическим составам, методам обработки фотографии, теоретические данные.

Но до революции в России возможность заниматься художественной фотографией была доступна лишь малому количеству людей, так как практически ни у кого из изобретателей фотоаппарата не было возможности выпускать их в промышленном масштабе.

В 1919 году В. И. Ленин издал декрет о переходе фотографической промышленности под управление Наркомпроса, а в 1929 началось создание светочувствительных фотоматериалов, впоследствии ставших доступными всем. И уже в 1931 году появляется первый отечественный фотоаппарат «Фотокор».

Роль российских мастеров, фотохудожников, изобретателей в деле развития фотоискусства велика и занимает достойное место в мировой истории фотографии.

Вообще-то рейтинги – вещь не благодарная и очень субъективная. Подводя лучших из лучших в рейтинговые списки, мы все равно пользуемся каким-то своим внутренним камертоном. Мы тоже решили сделать свой собственный рейтинговый список 10 величайших советских фотографов, по версии сайта .

Сразу отметим, что в списке будут присутствовать несколько фотографов, которые работали задолго до образования Союза Советов, однако, их влияние на развитие фотографии, как советской, так и мировой, настолько велико, что ни сказать о них было просто нельзя. И еще, учитывая субъективность данного списка, мы постарались отразить в нем ярчайших представителей в каждом отдельном фотографическом жанре.

Первое место нашего рейтинга, бесспорно, принадлежит . Это величайший деятель культуры и искусства. Его влияние на развитие советского искусства невозможно переоценить. Он сконцентрировал на себе все изобразительное искусство молодой страны советов – был и скульптором, и художником, и графическим дизайнером, и фотографом. Считается одним из основателей конструктивизма. Родченко – фигура универсальная и многогранная. Он стал действенным импульсом для развития фотографии и дизайна. Его приемами конструктивного построения фотографии пользуются, как канонами.

На второй позиции разместился русский фотограф начала 20-го века – Георгий Гойнинген-Гюне. Не смотря на то, что всю свою профессиональную жизнь и деятельность Георгий провел во Франции, Англии и США, но все-таки, по происхождению он русский. И в данном случае он служит примером, того, как выходцы из России добивались признания и успеха за рубежом. Георгий является одним из величайших модных фотографов 20-30-х годов. К 1925 году становиться главным фотографом французского Vogue. В 1935 – американского Harper `s Bazaar. В 1943 – выходят две его книги, после чего все его фотографическое внимание концентрируется на Голливудских знаменитостях.

Вклад Сергея Прокудин-Горского в развитие фотографического искусства – велик. Прокудин-Горский был химиком и фотографом, и занятие одни помогало усовершенствовать – второе. Вошел в историю, как первый экспериментатор, предложивший возможность создания цветной фотографии в России. Метод обретения фотографии цвета, которым пользовался Прокудин-Горский, был не нов. Его еще в 1855 году предложил Джеймс Максвелл, он включал в себя наложение трех негативов, где каждый пропускается через фильтр определенного цвета – красный, зеленый и синий. Три эти негатива накладываясь друг на друга, в проекции дают цветное изображение. Сегодня, благодаря Прокудину-Горскому у нас есть возможность увидеть Россию начала 20-го века в цвете.

Продолжает нашу десятку великих – советский военный фотограф, автор двух величайших, знаковых фотографии Великой отечественной войны – «Первый день войны» и «Знамя над Рейхстагом» – Евгений Халдей. Как военный фотограф, Халдей прошел всю Великую отечественную, и наиболее значимые его работы были сделаны в период с 1941 по 1946 года. Фотографии Халдея переполнены чувством исторической важности. Не секрет, что многие работы фотографа, в том числе и работа «Знамя над Рейхстагом» были постановочными. Халдей считал, что фотография должна максимально полно передать дух времени и события, потому, спешка была ни к чему. К созданию каждый работы автор подходил ответственно и основательно.

Продолжает наш список классик фотографической публицистики – Борис Игнатович. Игнатович был близким другом и соратником Александра Родченко, вместе с которым в конце 20-х годов организовал фотографическое объединение Группа «Октябрь». Это было время стремлений и поиска новых форм. Творческие люди, как правило, плодотворно занимались в нескольких направлениях одновременно. Вот и Игнатович – был и фотографом, и фотокорреспондентом, и документалистом в кино, и журналистом, и иллюстратором.

Далее следует величайший советский фотопортретист – . Наппельбаум вошел в историю фотографии, как непревзойденный студийный фотограф-портретист. Наппельбаум – мастер композиционного решения, удивительно и самобытно подходил к световой композиции, при которой, всё внимание зрителя аккумулируется на портретируемом. Как и в случае с , через студию которого прошли все зарубежные знаменитости 20 века, так и сквозь объектив Наппельбаума прошли величайшие представители страны советов, вплоть до Владимира Ильича Ленина. Наппельбаум пользовался огромной успехом и популярностью хорошего фотографа. Примечательно, что именно его пригласи сфотографировать место смерти великого русского поэта – Сергея Есенина.

Продолжает нашу десятку великих советских фотографов первый русский фотограф-пейзажист – Василий Сокорнов. Один из первых пейзажистов, который на фотоаппарат запечатлел красоту Русской природы, и в первую очередь Крыма, был художник, по образования, и фотограф, по призванию – Василий Сокорнов. Работы Сокорнова пользовались огромной популярностью уже при жизни фотографа. Так же как и работы , который всю свою жизнь фотографировал природу Виржинии, работы Сокорнова, в основной своей массе, посвящены Крыму. Они печатались в журналах и открытками разлетались по всей России. Сегодня считается, основным летописцем Крымской природы первых десятилетий 20-го века.

Основоположник Русской, советской публицистической, социальной фотографии – Максим Дмитриев, занимает восьмую позицию нашего рейтинга. Жизнь и творчество Дмитриева – это история невероятного взлета и такого же невероятного падения. Выходец из Тамбовской губернии, ученик церковно-приходской школы, к началу 1900-х годов, Дмитриев становиться ведущим фотографом Москвы. Основатель фотоателье, через которое проходят ведущие люди времени – Иван Бунин, Федр Шаляпин, Максим Горький. Но мы любим и помним Дмитриева за его летописные фотографии Поволжья. В них сосредоточена самобытная и жизнь и уклад России, умело подмеченный гениальным фотографом. Падением Дмитриева стал приход к власти большевиков и повсеместное раскулачивание. К началу 30-х годов, фотоателье художника была отобрано, вместе с более чем семью тысячами великолепных краеведческих фотографий.

Полным, точным и объективным документом фотография стала очень давно, ещё на заре своего развития. Можно даже сказать, что на стадии зарождения. Например, ещё в 1849 году газета «Нэшнл Газетт», выходившая в то время в Филадельфии, писала, что совсем скоро фотографы со своей аппаратурой будут свободно посещать различные иностранные государства, королевские дворы Европы, пирамиды Гизы, Святую землю в Иерусалиме, Красное море… Из таких своих поездок фотографы будут привозить точное представление обо всех этих культурных объектах и удивительных уголках мира. И обывателям совсем не нужно будет тратить огромные деньги на дальние поездки для того, чтобы полюбоваться всем этим великолепием воочию. «Не смогут почки на дереве набухнуть и расцвести, не сможет цветок разбросать семена или овощи распустить побеги без того, чтобы эти замечательные процессы не были запечатлены на точной фотографии» - писал безвестный журналист «Нэшнл Газетт» в середине позапрошлого века.

В пятидесятых-шестидесятых годах 19 века статус фотографии раскрывается особенно ярко. И проявляется он в основном в ее взаимоотношениях с изобразительным искусством. Появившийся совершенно новый процесс получения изображения на плоскости - фотография - дал толчок ударной волне, которая достаточно быстро всколыхнула весь мир современного искусства. Конечно же, первыми своего соперника в лице фотографии увидели художники. Над художниками, книжными графиками и прочими иллюстраторами нависла реальная угроза потери заказов и безработица. Эта угроза казалась им очень серьезной, ведь художественный идеал детальнейшего реализма в воспроизведении натуры при помощи фотографии в те годы был практически полновластным. Известный художник Деларош с печалью, но, тем не менее, с приятным возбуждением сказал тогда: «Отныне живопись умерла». Ну а сейчас, живя в 21 веке, мы прекрасно видим, что пророчество Делароша, к счастью, не сбылось. Но, тем не менее, очень точны были и другие его мысли. Он ещё тогда предвидел и говорил, что фотография отвечает всем требованиям изобразительного искусства, и заключает в себе все его принципы, которые ведут к совершенству.

Давно бытует такое мнение, что, якобы, те, кто по тем или иным причинам не смогли стать художниками, становятся фотографами. Но на заре развития фотографии всё происходило как раз с точностью до наоборот. Художники, которые сумели в нужный момент уловить в фотографии реальные признаки нового зарождающегося искусства, почувствовав перемены времени, без сожаления изменили своей профессии и стали осваивать новый для того времени процесс получения изображения - фотографическую технику. Ну, и, попутно, между делом, заодно и художественное оформление фотографий. А это достаточно серьезно усилило конкуренцию художникам-графикам. Очень многие фотографы того времени были профессиональными художниками, граверами, по мере развития фотографии ретушерами, но потом оставляли эту свою работу и полностью посвящали себя фотографии. Даже очень известные художники тех лет занимались раскрашиванием черно-белых фотографических снимков. Именно их сегодня можно назвать предшественниками разработчиков современных графических редакторов. В ту пору для раскрашивания фотографий использовали гуашь, анилиновые краски, акварель с добавлением белил и многое другое. Первые раскрашенные черно-белые фотографии были очень похожи на нежные акварельные картины. Такая техника создавала у зрителя впечатление нежности и прозрачности рассматриваемой им работы. В ту же пору появилась и техника альбуминовых отпечатков - мягкой сепии. Бромсеребряные отпечатки отличались своей черно-белой строгостью и лаконичностью. Обе эти техники к концу 19 века успешно сосуществовали между собой и ничуть не соперничали с раскрашенными вручную фотографическими отпечатками.

Посмотрите на эту уникальную фотографию, которая является плодом совместного творчества фотографа и художника. На ней изображен вид Венеции ночью. Эта фотография - панорама Большого канала - была тонирован вручную. Снимок был сделан днем. Солнце, зафиксированное на фотопластинке фотографом, опытный художник-раскрасчик превратил в Луну. В итоге их совместного творчества мы видим романтический ночной пейзаж.

В конце позапрошлого века раскрашенная акварелью фотография переживает резкий подъем и широкий успех. Она становится очень популярным и, к тому же, недорогим для потребителя видом искусства. И те, кто не располагает финансами для того, чтобы предпринять путешествие в дальние страны, но хотели бы такие поездки совершить, охотно приобретали подобные работы - раскрашенные фотографии. Так сказать, совершали виртуальную поездку, виртуальную экскурсию или даже паломничество с помощью фотографии.

События, так благоприятно развивающиеся для фотографии, оказало ей ничем неоценимую услугу: во всем мире появилось очень много прекрасных фотографов и раскрасчиков, которые «набили руку» в этом популярном деле, которые поняли важность ее художественного оформления, грамотно построенной композиции.

Очень враждебно в ту пору относился к искусству фотографии и к фотографии вообще Шарль Бодлер, известный французский поэт и литературный критик. Он очень сильно осуждал измену художников своему творчеству и даже говорил о том, что в мире искусства возникла некая коррупция. Вокруг фотографии была создана плотная атмосфера незаконности. Это даже сегодня имеет место быть - многие иллюстраторы наших дней активно выступают против того, чтобы все узнали, насколько их знания, владение информацией, а порой и творческое вдохновение зависит от фотографии.

Широкое распространение фотографии в пятидесятых-шестидесятых годах 19 века наложилось на всплеск работ по реставрации известных в мире памятников архитектуры, шедевральных живописных полотен и произведений классиков скульптуры. Фотографы стали помогать ученым, в основном археологам и реставраторам. Они занимались фотофиксацией обнаруженных при раскопках древних предметов и артефактов, всевозможных захоронений и прочих находок. Фотографам так же очень часто поручалась и систематизация археологических находок и произведений искусства.

Ближе к концу позапрошлого столетия стало востребованным фотографирование местности и ландшафтов при проведении различного рода топографических работ, так как началась глобальная перестройка крупнейших городов мира.

К тому времени в фотоискусстве стали прорисовываться различные его жанры. Эти жанры в основе своей были унаследованы от других, более старых видов изобразительного искусства. Но, тем не менее, многие фотографы по-прежнему продолжают репродуцировать монументальные живописные полотна. Несмотря на то, что в фотографии пока ещё отсутствовал цвет, такие фоторепродукции позволяли достаточно хорошо передать зрителю всё величие оригинала, всю глубину пространства, изображенного на картине, представить цвет, почувствовать фактуру изображенного предмета или объекта, будь то здание, пейзаж, или какой-то предмет…

Резкий скачок в развитии фотографии как изобразительного искусства произошел в конце 19 века в Венеции, на севере Италии. И это немудрено, что именно там. Ведь Венеция - это настоящий город-музей, где каждый дом, каждый дворец, каждый из многочисленных мостов - настоящие шедевры архитектуры. Произведениями искусства можно назвать практически любую из венецианских улиц.

Богатыми на открытия в фотографии были и последующие после середины 19 века годы. Тогда уже практически каждая семья могла позволить себе иметь дома стереоскоп и набор открыток для просматривания через него, так называемых стереопар. Особо популярны были стереопары с изображением видов городов, красивых пейзажей, исторических зданий, музейных залов, интерьеров дворцов и других достопримечательностей. Всё это, как мы уже говорили, заменяло далеко не дешевые путешествия в дальние и неизведанные страны. Выпускались стереопары и простые открытки с эротическими сюжетами. Такой подход к фотографии, в общем-то, сохранился и до сегодняшних дней. Правда, фотография стала цифровой, виртуальной, существующей на экране монитора. А снимок, напечатанный на бумаге, превратился в некий, своего рода, как сейчас принято говорить, винтаж.

Фотографическая открытка появилась в широком обиходе примерно в восьмидесятых-девяностых годах 19 века. Помимо того, что на такой открытке можно было увидеть интересные фотографии, на которых запечатлены красоты далеких стран, ее можно было почтой или иными другими путями послать друзьям или родным в другой город с добрыми пожеланиями, написанными на обороте. А можно было и самому сфотографироваться на фоне достопримечательностей… Сегодня же для такого «привета» достаточно недорогого мобильника в кармане любого, даже совсем небогатого человека или вообще школьника…

В годы появления фотографических открыток предприимчивые книгоиздатели открыли для себя новые широкие возможности для получения прибыли от издания иллюстрированных фотографиями различного рода путеводителей по историческим местам мира. Фотографы по их заказам стали активно фотографировать достопримечательности городов разных стран. Причем тех стран, которые были далеки от страны, где планировалось издавать путеводитель. Ведь поездка в далекие страны была доступна далеко не всем, стоила, как сейчас говорят, бешеных денег… А путеводитель купить было намного дешевле. Вот так и начал свой триумф по всему миру жанр фотопутешествия. Он и сейчас жив и включает в себя практически всю палитру фотографических жанров.

В середине позапрошлого столетия стали так же появляться большие издательские дома. А параллельно с ними начала развиваться сеть небольших частных фотоателье и фотомастерских. Как пишут исследователи фотографического искусства, ссылаясь на очевидцев и современников, в Венецианской области в пятидесятые годы 19 века свой фотограф был практически в каждой захудалой деревеньке. Сегодня же, как мы уже говорили чуть выше, мобильный телефон со встроенной фотокамерой есть у каждого школьника в каждой деревне, не говоря уж о городах и других населенных пунктах. Тем не мене, это совсем не означает того, что каждого из владельцев мобильников можно назвать фотографом.

И вот наступил двадцатый век. С его началом в среде фотографов начались грандиозные споры о том, возможно ли и нужно ли исправлять фотографический снимок или даже изменять в нем что то. И в какой вообще степени это вообще возможно и нужно делать. Сейчас на дворе уже 21 век. Но споры эти до сих пор не утихли, они периодически возвращаются и будоражат умы всего мирового фотографического сообщества. Что можно считать произведением искусства, а что просто фотографией? Где проходит граница между тем и этим? Если фотографическое изображение не было подвержено какому-либо вмешательству со стороны фотографа, может ли оно считаться неповторимым и оригинальным? Можно ли его назвать произведением искусства? Как считает большинство искусствоведов и теоретиков фотографического искусства, да и сами фотографы, конечно же можно. Более того, именно в этом и заключается мастерство фотографа, его чутье, чувство меры, владение композицией и другими изобразительными средствами фотографии.

Но давайте, все же, опять перенесемся на 150 лет назад. Вот что в 1913 году писал известный английский фотограф Элвин Лэнгдон Кобурн: « Я хочу максимально ясно подчеркнуть, что не верю ни в какую дополнительную работу и ни в какие манипуляции с фотографическими негативами и отпечатками». А вот американка Энн Бригман, тоже не менее известный фотограф конца 19 - начала 20 веков, пропагандировала полностью противоположный подход к искусству фотографии. Она была яростной сторонницей активного вмешательства в фотографическое изображение. Энн Бригман со своих оригинальных негативов делала дубль-позитивы, вносила в эти дубли всевозможные изменения, дорабатывала их вручную, после чего делала с них новые негативы, с которых, в свою очередь, уже и печатала конечный вариант снимков. «Гравировальный инструмент - один из моих ближайших союзников - писала Энн Бригман - Им я уничтожаю всё бесполезное. Я далеко отошла от прямой и узкой тропинки непосредственной фотографии».

Сегодня фотография всё увереннее и увереннее завоевывает мир искусства. И не только искусства, а и сферу документалистики, мир воспоминаний о прошлом любой семьи, любого общества. О всех значимых и не очень событиях в жизни людей.

Французский мастер фотографии Густав Ле Ге, бывший одним из самых влиятельных фотографов 19 века, несмотря на то, что его карьера длилось всего лишь немногим более десяти лет, считал, что будущее фотографии заключается совсем не в ее дешевизне, как думали тогда многие, а в качестве изображения. Ле Ге говорил, что если снимок будет долговечным, законченным, просто хорошим, то он, несомненно, приобретет непереходящую ценность, едва ли сравнимую со своей собственной себестоимостью. «Со своей стороны выражаю желание - говорил великий французский фотограф - чтобы фотография, вместо того, чтобы впасть в бездну промышленности или коммерции, могла оставаться искусством. Лишь в искусстве ее подлинное место, и я всегда буду стремиться к тому, чтобы фотография оставалась именно в этом направлении». Годы жизни Густава Ле Ге - 1820-1882. Как нам кажется, слова его стали пророческими.

Тем не менее, к счастью или к несчастью, давайте каждому оставим свой выбор. Пусть каждый сам для себя самостоятельно решает, шагнула ли фотография сегодня за пределы искусства, стала ли она массовым продуктом, причем не всегда даже хорошего качества, так как сегодня уже совсем не важно, какой аппаратурой ведется съемка и где она происходит, или по-прежнему остается одним из видов изобразительного искусства.

В наше время вот уже несколько лет некоторые фанаты фотографии и профессиональные мастера стали как бы отступать на шаг назад - возвращаются к съемке на фотопленку. А некоторые, впрочем, и не оставляли аналоговую фотографию. Плёнка и только плёнка - считают они. И никакой обработки на компьютере. Никакого графического редактора. Мастерство автора и его умение передать зрителю свой и только свой, личный, взгляд на те или иные вещи или события, запечатленные на фотографии.

Когда сегодня мы рассматриваем старые фотографии из семейного альбома, или архивные снимки, воспроизведенные в книгах и журналах и сравниваем их с современными, очень часто достаточно странными работами нынешних мастеров фотографического искусства, не нужно забывать о том, что фотография всегда вмещает в себя намного больше информации, чем та, которая бросается в глаза при первом беглом на нее взгляде. Личное отношение автора к снимаемому объекту, его личные ассоциации, особенности творческого видения и многое другое в рамках каждого конкретного снимка создают, организуют никем более не повторимый уникальный мир. Хорошая фотография - как академическое живописное полотно. При каждом новом возвращении к ней она дарит зрителю все новые и новые открытия.